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GUIAVEOVEO # MAYO

2011-05-10T16:32:00.003-03:00

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GUIAVEOVEO 2011 - Edición Mayo

Todas las muestras de fotografía en un solo lugar
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Foto de tapa © Alejandro Chaskielberg

De la serie La Creciente
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GUIAVEOVEO 2011 (NUEVO FORMATO)

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GUIAVEOVEO 2011 - Edición Abril

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Foto de tapa © Jasmine Bakalarz
De la serie Beauty Pageants
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3 PREGUNTAS SUELTAS

2009-05-02T15:24:00.031-03:00

Invitado: Augusto Zanela (Quilmes, 1967)

www.augustozanela.com.ar

1.- ¿Por qué te interesa desarrollar ideas a través de la fotografía?

Porque siento que es un medio que aún tiene un potencial para explorar en cuanto a lo discursivo donde, debido al rango tan extenso de aplicaciones con la que se fue asociando a lo largo de su vida, todavía podemos elaborar ideas sobre cualquier cuestión que nos interese o nos llame la atención.

Siento, en algún punto, que se convirtió en el medio visual más democrático y el que desarrolló mayor alcance. Como disciplina del pensamiento logró satisfacer con creces todas las inquietudes de un gran número de otros campos del pensamiento, que encontraron en la fotografía la herramienta ideal para ilustrarlas y hacerlas llegar a otros públicos, confiriendo al objeto visual, mediante una sorprendente economía de recursos, una profundidad de lectura difícil de alcanzar a través de otro medio visual.

2.- ¿Qué importancia tiene estudiar historia de la fotografía?

Como cualquier disciplina que haya logrado desarrollar un corpus consistente a lo largo de su vida, y siendo el más antiguo y por lo tanto origen de los medios de producción de imágenes técnicas, me parece que queda claro que el estudio de la historia en general y del medio en particular es un paso necesario para entender dónde nos encontramos, cuánto pasó por ahí antes de que empecemos a interesarnos por la fotografía. Además, este estudio permite abordar un formidable catálogo de imágenes que no sólo deleita sino que narra en paralelo la historia reciente de la humanidad.

3.- ¿Qué trabajos de autores internacionales han influido sobre tu forma de ver la fotografía?

El primer autor que llamó poderosamente mi atención fue Ralph Gibson, certero e impecable, aunque luego no lo haya seguido demasiado en su producción. Recuerdo que, al ver sus fotografías, me surgió el deseo de fotografiar.

El cambio de lectura vino al estudiar a los artistas pop americanos que utilizaban de un modo plástico la fotografía: Warhol por supuesto (tanto en su desarrollo del retrato como su aprovechamiento de la imagen de los medios masivos de comunicación), Rauschenberg y el amasijo de imágenes estampado en cada cuadro o Hamilton y sus collages y pinturas de negativos fotográficos, etc. Estudiar a estos autores, en mi caso, provocó una reacción en cadena que se disparó hacia otros movimientos y autores como los pop británicos Gilbert & George y Hockney o los conceptualistas, con Kosuth, Graham y Dibbets a la cabeza, y desde allí, a todo el universo del arte contemporáneo.

(+) 3 PREGUNTAS SUELTAS
Lucila Bodelón
Andrea Ostera
Daniel Tubio
Alberto Goldenstein
Juan Travnik
Eduardo Gil

3 PREGUNTAS SUELTAS

2009-04-09T09:13:00.010-03:00

Invitada: Lucila Bodelón (Buenos Aires, 1974)

Fotógrafa, coordinadora de talleres y clínicas de obra,
co-directora del sello editor "Un amor cayó del cielo"

1.- ¿Por qué te interesa desarrollar ideas a través de la fotografía?

En principio fue algo que surgió casi naturalmente, necesidades del alma y del inconciente que siempre buscaron métodos para protegerse. La fotografía (y el cine) durante un buen tiempo fueron mis antídotos y mis curas. Sin un rumbo preciso era todo y sólo eso lo que hacía. Eso fue cuando empecé, allá por mis “veintis”.

Luego tomé conciencia de qué se trataba realmente y la vi tan contemporánea, tan personal, tan individual y a la vez tan de todos que me encanté con ella y empecé a tomarla más en serio. Es fascinante, no me imagino creando de otro modo que no sea a través de la imagen fotográfica.

Sigue siendo uno de mis antídotos pero ahora también es una de las cosas que le dan sentido a mi vida y estoy muy agradecida por eso.

2.- ¿Qué importancia tiene estudiar historia de la fotografía?

La historia en general es importante para poder entender donde estamos, para asimilar conocimientos pasados, para abordar y tratar de entender el mundo que ha sido: es una manera de ejercitar nuestra cabeza para entender el mundo que es.

Por otro lado (bah, por el mismo), nutre de ideas, incorpora saberes, despierta la imaginación, estimula y colabora con la propia producción y moviliza nuestro pensamiento sobre lo que hacemos.Todos esos americanos con su Street Photography me acompañaron en mis primeros viajes por el mundo y les estoy muy agradecida.

3.- ¿Qué trabajos de autores internacionales han influido sobre tu forma de ver la fotografía?

Rodchenko y todos los rusos de esa época, no importa si fotógrafos o no. Aún hoy los miro para tomar un poco de ese espiritu y sentirme así. Me otorgan vitalidad.

Además, Sugimoto y sus mares y su modo de abordar cada obra desde un concepto.

Nan Goldin y sus amigos, los colores y esa “naturalidad”.

Bill Brandt y sus cuerpos, sus blancos y negros exquisitos. Joan Fontcuberta y todo lo que dice.

(+) 3 PREGUNTAS SUELTAS
Augusto Zanela
Andrea Ostera
Daniel Tubio
Alberto Goldenstein
Juan Travnik
Eduardo Gil

3 PREGUNTAS SUELTAS

2009-03-06T20:39:00.018-02:00

Invitada: Andrea Ostera (Salto Grande, 1967)

Fotógrafa, docente, coordinadora del espacio Fotógrafos Emergentes en el CEC (Rosario)

www.andrea-ostera.blogspot.com

1.- ¿Por qué te interesa desarrollar ideas a través de la fotografía?

Lo primero que debo decir es que en mi trabajo la fotografía no es exclusivamente un instrumento, sino más bien el objeto, o el móvil de mi obra. En general, no he usado la fotografía como medio para hablar sobre otra cosa: el tema de mi fotografía es la fotografía misma. Gran parte de mi trabajo puede pensarse como la exploración de los límites del medio. Las cuestiones de física y química en los materiales sensibles a luz, las citas a la historia de la representación fotográfica, las trampas del aparato monocular componen una trama sobre la que se han desarrollado varias de las series que he realizado en los últimos 15 años.

Tenía 11 apenas cumplidos cuando me regalaron una Kodak Instamatic: sacar fotos se transformó en mi juego predilecto (recuerdo a mi madre comprando un Magicubo, y pidiéndome por favor que lo hiciera durar por lo menos una semana!). Desde entonces, la fotografía ha sido un territorio para el disfrute, un lugar de investigación, un espacio de pensamiento. He probado otros medios, pero sólo con la fotografía me siento en casa.

2.- ¿Qué importancia tiene estudiar historia de la fotografía?

Creo que cuanto un autor más conoce el medio con el que trabaja, más herramientas dispone para desarrollar su producción. El estudio de la historia de un medio permite un entendimiento más amplio, más vasto, sobre el presente del mismo. La comprensión profunda de la evolución del dispositivo fotográfico –me refiero no sólo a los aparatos fotográficos, sino también, y sobre todo, a las prácticas sociales de la fotografía que se han dado a través del tiempo- es uno de los elementos necesarios en la formación de un observador crítico. Estudiar la historia de la fotografía estimula la puesta en acto de una mirada alerta, atenta, ágil. Y por otro lado, es una invitación a deleitarnos con las obras conmovedoras de tantos autores que nos han dejado imágenes maravillosas en los 180 años que han pasado desde la aparición de la fotografía.

Repasar la historia es animarse a entender más y aumentar nuestro propio catálogo de imágenes inolvidables.

3.- ¿Qué trabajos de autores internacionales han influido sobre tu forma de ver la fotografía?

Intento un lista, sin orden de mérito:

* Los collages de Mike y Doug Starn.
* "Una y tres sillas", de Joseph Kosuth.
* Los fotogramas en cibachrome de Adam Fuss.
* Cualquier colección de los Becher.
* "Herbarium", "Caligramas de luz" y "Zoografía"
de Joan Fontcuberta.
* Los cines de Sugimoto.
* La fotografía documental de Sophie Calle.
* "Still Water (The River Thames, for Example)" de Roni Horn.
* Las exploraciones de la cámara obscura de Abelardo Morell.

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Augusto Zanela
Lucila Bodelón
Daniel Tubio
Alberto Goldenstein
Juan Travnik
Eduardo Gil

3 PREGUNTAS SUELTAS

2008-11-07T07:41:00.011-02:00

Invitado: Daniel Tubío (Buenos Aires, 1958)
Docente, fotógrafo, ocasionalmente pensador
www.danieltubio.com.ar

1.- ¿Por qué te interesa desarrollar ideas a través de la fotografía?

Llegué a la fotografía después de haber atravesado la escuela de Bellas Artes, en principio buscando una forma más de hacer imágenes y descubrí dos cosas: por un lado lo maravilloso de el hacer manual, artesanal, de la fotografía blanco y negro y la creación de imágenes a partir de ello –aspecto en el que se parece mucho al grabado– pero por otro, el plus de la conexión directa con la realidad que tiene la imagen fotográfica como parte de sus atributos. Creo que esto último es lo que, básicamente, me lleva a seguir creando imágenes a través de la fotografía.

2.- ¿Qué importancia tiene estudiar historia de la fotografía?

Tiene importancia para quien hace fotografía o disfruta de ella, de la misma manera que tiene importancia estudiar historia para cualquiera que vive la historia: saber dónde estamos parados, por qué llegamos allí y, en consecuencia, saber hacia dónde podemos ir. Pero creo que estudiar sólo Historia de la Fotografía es demasiado parcial; creo que hay que estudiar Historia, ver qué papel cumple la imagen en la historia en cada momento y dónde y cómo se inserta la fotografía en esa relación imagen/historia.

3.- ¿Qué trabajos de autores internacionales han influido sobre tu forma de ver la fotografía?

Antes que nada cuestiono la pregunta ¿Por qué sólo autores internacionales? Seguro que voy a incluir a alguno que no sé si es “internacional”.

Supongo que a esta altura de mi quehacer fotográfico y de mi vida de observador de imágenes probablemente son innumerables y difícilmente consignables.

Algunos me han influido concientemente, como Sugimoto o Humberto Rivas, en los últimos años; otros los he incorporado sin saberlo al principio de mi desarrollo como fotógrafo y surgieron más tarde como influencias visibles: es ese el caso de Robert Frank o de André Kertesz, por ejemplo. También me han marcado, de alguna manera, Horacio Coppola, Oscar Pintor y Jorge Aguirre.

Eso entre los autores fotógrafos. Pero también debería nombrar a Kandinsky, tanto por su obra como por su pensamiento, a Cézanne, a Toulouse Lautrec –el más fotógrafo de los pintores franceses– y a Berni, como ejemplo de los tantos artistas plásticos que seguramente habrán aportado lo suyo al desarrollo de mi lenguaje visual y mi concepto fotográfico.

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Augusto Zanela
Lucila Bodelón
Andrea Ostera
Alberto Goldenstein
Juan Travnik
Eduardo Gil

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2008-10-14T04:43:00.017-03:00

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3 PREGUNTAS SUELTAS

2008-09-30T01:11:00.010-03:00

Invitado: Alberto Goldenstein (Buenos Aires, 1951)
Fotógrafo, docente, curador
www.agoldenstein.com.ar/

1.- ¿Por qué te interesa desarrollar ideas a través de la fotografía?

Es bastante misterioso el impulso que me convirtió en el fotógrafo que soy. De chico no tenía un deseo claro en cuanto a desarrollarme artísticamente. Fui educado en un clima de apreciación de las expresiones artísticas en general, pero nunca imaginé esta derivación.

Fue accidentalmente, luego de algunos viajes solitarios y algo exóticos en los que fotografiaba para documentar la experiencia y compartirla a mi regreso, que se despertó una especie de talento que me fue llevando de allí en más.

A los 29 años abandoné mi trabajo en el campo de la economía, y viajé a EEUU (Boston) a establecerme y estudiar fotografía, lo que hice durante dos años.

Regresé con el deseo claro de convertirme en un artista fotógrafo aunque en aquel momento en Buenos Aires esa categoría –o como yo la entendía- parecía no existir. Había fotógrafos profesionales con trabajos autorales, y estaban los artistas plásticos. Las galerías de arte no tenían fotógrafos entre sus artistas, y las muestras de fotografía no eran siquiera reseñadas en los suplementos culturales de los diarios.

Así es que lo que siempre me interesó e intenté a través de la fotografía fue, y sigue siendo, tratar de ser un artista.

2.- ¿Qué importancia tiene estudiar historia de la fotografía?

Estudiar historia de la fotografía es importante, tanto como tener algo para decir.

Conocer la historia del medio y el lenguaje ayuda mucho a comprenderlo, a conocer sus límites y a desarrollar estrategias.

Pero creo que es muy importante también conocer la historia del arte, a la que la fotografía está absolutamente ligada.

Las enormes simplificaciones técnicas de estos tiempos enfrentan a los fotógrafos a nuevas complejidades que son de orden conceptual, por lo que conocer historia del arte -y ver arte- es clave.

3.- ¿Qué trabajos de autores internacionales han influido sobre tu forma de ver la fotografía?

Yo me formé mirando obra de los fotógrafos modernistas –que me siguen encantando- como Paul Strand, Walker Evans (ídolo), Diane Arbus y Garry Winogrand. También en su momento me subyugó extrañamente la obra de Man Ray. Muchos años después viviría algo similar con Cindy Sherman.

También me siento influido por la obra de Jacques Henri Lartigue.

Contemporáneamente: Hiroshi Sugimoto, Nan Goldin, Wolfgang Tillmans.

(+) 3 PREGUNTAS SUELTAS
Augusto Zanela
Lucila Bodelón
Andrea Ostera
Daniel Tubío
Juan Travnik
Eduardo Gil

PARADIGMA MOSAICO VEOVEO

2008-09-15T18:36:00.009-03:00

Cine y fotografía
10 películas para armar tu primera foto-dvd-teca

Fur: an imaginary portrait of Diane Arbus (2006)
alias "Retrato de una pasión"
Cidade de Deus (2002)
alias "Ciudad de Dios"
One hour photo (2002)
alias "Retrato de una obsesión"
Le fabuleux destin d´Amelie Poulain (2001)
alias "Amelié"
Memento (2000)
alias "Memento, Recuerdo de un crimen"
Smoke (1995)
alias "Cigarros"
The bridges of Madison County (1995)
alias "Los puentes de Madison"
The public eye (1992)
alias "El ojo público"
Under fire (1983)
alias "Bajo fuego"
Blow up (1966)
alias "Blow up"

Fuente:
Veo veo, Guía de Exposiciones Fotográficas
Edición Nro. 54, Mayo/Junio 2007, Página 12.

3 PREGUNTAS SUELTAS

2008-09-04T17:13:00.015-03:00

Invitado: Juan Travnik (Buenos Aires, 1950)
Fotógrafo, curador, director de la FotoGalería,
ensayista y docente
www.juantravnik.com.ar

1.- ¿Por qué te interesa desarrollar ideas a través de la fotografía?

Realmente no sé si todo tiene un por qué explicable totalmente, pero intentaré una respuesta. Creo que mi aproximación a la fotografía tuvo algo de casual, al menos en el comienzo. Después de haber abandonado el dibujo y la pintura muy tempranamente, descubrí el fenómeno fotográfico atraído por el misterio de la aparición de una imagen desde la nada. Esa aparición en el cuarto oscuro de una imagen en el papel, a partir del proceso químico me parecía -y me sigue pareciendo- que tiene algo mágico. Tenía algo que encerraba un magnestismo difícil de explicar.

Hasta los doce años dibujaba y pintaba incansablemente. Estudié en la academia del barrio y disfrutaba mirando los libros de Goya y Velázquez que me había regalado mi padre, clarinetista excepcional, que me alentó siempre. Aún después de la traumática experiencia que fue para mi haber sido rechazado en un examen de ingreso a Bellas Artes, luego de terminar la primaria, cuando mi deseo era ser pintor. Después de comenzar a estudiar fotografía a los quince, recién a los diecisiete, con las clases de Pedro Otero, supe que sería una forma que podía usar para expresarme, para mostrar mi manera de ver lo que me rodeaba. Una herramienta, también, para crear mi propio mundo.

Volviendo a la pregunta inicial, podría decir que seguramente muchas veces encuentro la manera de desarrollar ideas a través de la fotografía. Pero si debo ser sincero, lo que me gusta y me sigue apasionando, lo que me causa placer, es crear una imagen. Una imagen que en algunos casos seguramente terminará expresando una idea. Pero en otros, causará una percepción diferente, algo menos racional y más ligado a lo sensorial. Llevará al espectador a estados de congoja, angustia o goce sin que entienda claramente el por qué. Pero en el momento de la gestación de esas imágenes, de su nacimiento, en el hallazgo o en el armado de lo que voy a fotografiar, la motivación primaria es crear una imagen.

Una imagen que sé que actuará independientemente del referente. Una imagen que terminará volcando una visión personal, arbitraria y por lo tanto cargada de componentes ficcionales y alejada de cualquier posibilidad de ser objetiva. Una imagen que será, con toda seguridad, resignificada por quién la mire.

2.- ¿Qué importancia tiene estudiar historia de la fotografía?

Resulta difícil entender el presente sin tener conocimientos del pasado. Negar la importancia del estudio de la historia, de lo que pasó, de lo hecho, es en el fondo negar la posibilidad del aprendizaje y del crecimiento. De obtener una formación. Creo que la pregunta sobre la importancia del estudio de la historia parecería desatinada si la realizamos en el contexto del estudio de otro tipo de forma expresiva. La literatura o la pintura, por ejemplo. Pero en la fotografía, si bien ha entrado en el mercado de arte, legitimada previamente por la crítica y los museos, parece no estar tan asentada esa necesidad. La ilusión de poder llevar adelante una obra basada excluyentemente en la intuición es solamente eso: una ilusión.

Pero ahondando en el tema, diría que desde mi actividad como docente la historia de la fotografía aislada me resulta absolutamente insuficiente para explicar el desarrollo de las ideas y las propuestas llevadas adelante por las diferentes corrientes estéticas y por los diferentes autores relevantes en el transcurso del tiempo. ¿Cómo entender las propuestas estéticas de Edward Weston o luego las de Robert Frank -para citar sólo dos ejemplos paradigmáticos- sin desarrollar sus conexiones con el pensamiento, el resto de las formas expresivas, las tecnologías posibles de ser utilizadas y la situación sociopolítica del momento?

Los conocimientos de este tipo, sumados a otros como los de la percepción visual, nos permitirán entender los cambios producidos en la imagen y su dinámica y conformación interna sin recurrir a perimidas recetas de "composición". Las vinculaciones de la fotografía con otros recursos expresivos. El estudio de teóricos que han desarrollado enorme cantidad de material sobre la imagen y sus sistemas de representación, serán elementos que, tomados de una u otra forma, perfilan la formación de un artista visual contemporáneo, que estará usando entonces la fotografía conociendo las especificidades de la herramiento con mayor justeza.

Estas ideas no se deberían confundir con una sobre-valoración de lo teórico/racional por sobre lo emotivo, por sobre lo generado desde la propia sensibilidad. Tan importante como el estudio de la historia, resulta la frecuentación de las manifestaciones de las artes visuales. Esa formación es difícil de reemplazar y amplía las posibilidades de comprensión si son acompañadas por una reflexión, o algún estudio que clarifique aspectos que por momentos aparecen crípticos, poco entendibles, sobre todo en el escenario desarrollado de los últimos años, el construido por el arte contemporáneo.

3.- ¿Qué trabajos de autores internacionales han influido sobre tu forma de ver la fotografía?

Según como se plantea, esta respuesta puede tener una extensión casi interminable, o mencionar, en una posición de privilegio, a los autores que creo me influyeron más notoriamente. Optando por esta segunda alternativa, puedo decir que después de una primera etapa teñida por la imagen de Henri Cartier-Bresson, un giro importante en mi trabajo que se produce a partir de los `80, registra influencias de otro tipo.

Los retratos de Sander, fotógrafo alemán que desarrolla su obra mayoritariamente en el período de la República de Weimar. Con disciplina germana, intenta un corte transversal que abarque todo el espectro de la sociedad alemana de su época. Retratos ambientados en los que refleja una enorme sabiduría para diluir la mano del autor, que parece desaparecer en la fotografía. Impulsa una forma de retrato que luego llega a influenciar a generaciones enteras de autores. Avedon, Penn, a la misma Arbus, y a mi querido amigo Humberto Rivas con quién, por supuesto, me encuentro fotográficamente emparentado de una manera muy fuerte.

La serie de retratos conocidos como The Heber Spring portraits, (1938 a 1946) de Mike Disfarmer, fotógrafo de pueblo de esa pequeña ciudad de Arkansas, EEUU, me parecen indispensables.

Los paisajes parisinos de principios del siglo XIX de Atget, de luz temprana, desolados y solitarios. Y sus interiores, llenos de belleza pero también de información.

El trabajo de Walker Evans desarrollado entre 1928 y 1975 con una mirada que preanunció claramente la llegada del pop-art. La obra del checo Josef Sudek, sobre todo sus panorámicas.

Robert Frank, a cuyo trabajo me aproximé mucho más cuando pude ver su serie de videos. No sólo Los americanos, sobre todo me parece muy importante la recopilación Moving Out. Creo que es un autor esencial en la segunda parte del siglo XIX.

La lista podría ser interminable: Álvarez Bravo, Martín Chambi, Fernando Paillet y, más cerca en el tiempo, Eggleston, Stephen Shore, Gerhard Richter, Sugimoto, Thomas Ruff, Andreas Gursky y una serie de autores que trabajan central o periféricamente el tema del sistema de representación fotográfico, el manejo del espacio y los cambios que traen en la visión las nuevas tecnologías.

Fuera de los trabajos de los maestros internacionales, reconozco una influencia de los colegas amigos argentinos con los que comparto el hacer de todos los días y con mis alumnos, con quienes intercambio opiniones de forma permanente. De todas formas, creo que éste es sólo un aspecto de lo que "influencia" mi obra. Las lecturas, la música, el cine, el teatro, la pintura y la escultura que uno ve aparecen de algún modo reflejadas del mismo modo que la charla sin tema fijo con alguien en un café, o con un paisano en medio del campo. Mi deambular a cualquier hora por la ciudad o la mirada fija, por largo rato, en el horizonte del campo o del mar.

Fuente:
Veo veo, Guía de Exposiciones Fotográficas.
Edición Nro. 46, Noviembre 2005, Páginas 14-17

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Augusto Zanela
Lucila Bodelón
Andrea Ostera
Daniel Tubío
Alberto Goldenstein
Eduardo Gil

PARADIGMA MOSAICO VEOVEO

2008-09-01T21:58:00.008-03:00

Algunos libros para pensar la fotografía

La Obra de Arte en la Era de su Reproductibilidad Técnica (1936)
de Walter Benjamin (Alemania)

La Fotografía, Un Arte Mediano (1965)
de Pierre Bordieu (Francia)

Sobre la Fotografía (1973)
de Susan Sontag (EEUU)

La Cámara Lúcida.
Notas sobre la Fotografía (1980)
de Roland Barthes (Francia)

El Acto Fotográfico.
De la Representación a la Recepción (1986)
de Philippe Dubois (Francia)

El Inconsciente Óptico (1993)
de Rosalind Krauss (EEUU)

El Beso de Judas.
Fotografía y Verdad (1997)
de Joan Fontcuberta (España)

La Fotografía Plástica (1998)
de Dominique Baque (Francia)

Álbum de Familia.
La Imagen de Nosotros Mismos (1998)
de Armando Silva (Colombia)

Fuente:
Veo veo, Guía de Exposiciones Fotográficas
Edición Nro. 44, Septiembre 2005, Página 19.

3 PREGUNTAS SUELTAS

2008-09-01T17:24:00.018-03:00

Invitado: Eduardo Gil (Buenos Aires, 1948)
Artista, fotógrafo, viajero, docente y curador
www.eduardogil.com

1.- ¿Por qué te interesa desarrollar ideas a través de la fotografía?

Con la fotografía me sentí cómodo desde el principio. Aún cuando era un ignorante total, percibía que había algo mágico, profundo, que me conectaba con las cosas del mundo de un modo especial. La cámara fue la herramienta perfecta que, por alguna razón, condensaba diferentes búsquedas anteriores que iban desde la sociología hasta la aviación o desde ser un pichón de yuppie a la militancia. Había agotado cada una de éstas, y otras experiencias que no terminaban de cerrarme como forma de vida.

A los 27 años (en el `76) mi vida, la vida de todo el país, cambió. Fue en ese momento cuando la fotografía se cruzó en mi camino y bueno, ¡fue un enamoramiento instantáneo! Durante años trabajé un tipo de fotografía clásico, "duro", que se podría resumir como "Leica y Tri-x".

Viajé muchísimo por Latinoamérica, que fue mi primer gran tema. Muchos retratos, fotos en marchas campesinas, protestas obreras, celebraciones religiosas... blanco y negro, mucho contraste, mucho grano, etc.

Siguió un ensayo en el Hospital Borda en el que hice fotos durante dos años y medio. Más tarde trabajé con los cementerios latinoamericanos.

La cámara era una parte más de mi cuerpo, la llevaba siempre. Fotografiaba todo lo que se me cruzaba. Accidentes de tránsito, escenas a la sauvette, manifestaciones, represión policial; me metía en cualquier lado y a veces me comía algún palo haciendo fotos que nadie me había pedido y que tampoco intentaba vender. Disfrutaba la adrenalina, la acción. ¡¡Sentía que con mis fotos podría cambiar el mundo!!

Fotografiando las siluetas de los desaparecidos, las Marchas de la Resistencia, comenzó a gestarse un trabajo que hice entre el `85 y el 2000, que culminó en el libro "(argentina)" donde metaforizo acerca de cómo quedamos después de la dictadura militar. Ahí la técnica es más descontracturada, menos preocupado por la "buena foto" y más por el discurso y las asociaciones entre imágenes.

Desde mediados de los `90 comienzo a prestar atención a algunas fotos en color que fueron surgiendo, casi sin darme cuenta, entre medio de la actividad profesional. Empiezo a juntarlas a modo trípticos o polípticos, muy cargados de simbolismos y referencias a mis obsesiones de siempre. Esto me permite resignificar imágenes hechas en épocas y contextos diferentes (una foto en el norte de Italia, otra en Paraguay, en un matadero clandestino, una virgen de un convento cordobés, un pez espada en Galicia y otra en la sierra peruana, por mencionar una obra muy vista que está en la colección del Museo de Arte Moderno). De este modo me puedo meter con distintas cuestiones de trabajo, alejándome del clásico ensayo de largo aliento. Son también de esta época algunas intervenciones urbanas (el Corte en el `95, Merry Christmas en 2000...)

El paso siguiente, mi producción en los últimos años, podría definirse como un paulatino trabajo de autoconstrucción, de corrimiento del lugar cómodo que el "oficio" posibilita. Una búsqueda de síntesis en la cual intento excluir todo expresionismo, romanticismo y aún todo simbolismo.

Comienzo a necesitar mayores tamaños de impresión y formas de exhibición menos convencionales, adopto una técnica híbrida analógico-digital, utilizo cámaras de formato medio y alterno el trabajo en exteriores con tomas de estudio.

Mi obra actual es algo así como una revisión crítica de mis propios paradigmas, un ejercicio de abstinencia en el que quiero dejar que la potencia de lo indicial se manifieste en silencio y la percepción se encargue de rellenar los huecos...

2.- ¿Qué importancia tiene estudiar historia de la fotografía?

Yo diría que es importante transitar la historia del arte en general. Una historia entendida no como una sucesión cronológica de escuelas y estilos sino como un proceso dinámico y contradictorio, dialéctico, que no puede entenderse fuera de los avatares sociales, políticos y económicos de cada momento. A partir de ahí deberíamos plantearnos la posibilidad de una historia de la fotografía y, en todo caso: ¿qué historia? ¿qué historias...?

Si damos por supuesta tal historia, entonces tendríamos que preguntarnos para qué...

Me interesa la historia en la medida que me marca, en la medida en que se inscribe en mis propios proyectos estéticos. Me interesa la historia y me interesa mi propia historia porque es desde ella que construyo mi producción actual.

La práctica docente me permite ver cotidianamente cómo el meterse con el pasado nos otorga las significaciones que desde un puro presente nos sería imposible descifrar.

Pero no es sólo la historia. Hoy por hoy, ya no es posible apoyarse únicamente en la emoción para sostener un discurso estético, como tampoco basta solo con la imagen (no olvidemos que ya hace un siglo Duchamp dio por agotado el "arte retiniano" y que las transgresiones conceptualistas de los sesenta son, hace ya mucho, citadas como clásicos) salvo que se quiera seguir insistiendo en lo que Philippe Dubois llamó la "estética redundante" que sería algo así como seguir escribiendo, hoy, poesía en términos de "volverán las oscuras golondrinas de tu balcón sus nidos a colgar..."

En los últimos años decir fotografía significa algo distinto a lo que tradicionalmente se entendía como tal. La fotografía ha experimentado cambios rotundos y ha visto derrumbarse viejos paradigmas. Funciones que la habían definido durante casi toda su historia están cuestionadas, obsoletas y en extinción. La encontramos hibridada, mestizada, presente en la más diversas propuestas y soportes y, al mismo tiempo, en el centro de la escena del arte actual.

Vivimos, desde hace bastante, una situación de anomia generalizada que exige profundos esfuerzos de reflexión autocrítica en la definición del propio rumbo. Hoy conviven estilos tradicionales, junto a nuevos discursos y conceptos; quienes suponen que Cartier-Bresson fue lo máximo... y quienes piensan que la historia comenzó en los `60... Este momento, uno de los más ricos desde que apareció la fotografía, nos plantea desafíos apasionantes. Creo, contestando la pregunta, que la importancia de estudiar (no sólo historia sino también semiótica, estética, etc., etc.) está en que, sumado a un trabajo de reflexión y autocrítica permanente, posibilita crecer (además de entender), expandir los horizontes, en fin ayuda a aceptar las diferencias, y por lo tanto a crear, reaccionando de madera madura, libre y plástica, ante los cambios propios y ajenos.

3.- ¿Qué trabajos de autores internacionales han influído sobre tu forma de ver la fotografía?

Es muy difícil responder sin ser esquemático. Creo que el primero fue Cartier-Bresson, luego me fascinó Doisneau. En forma mas o menos caótica fueron apareciendo Capa, Smith, Bischof, Koudelka, Hine...

Mi formación fue absolutamente intuitiva e informal, de modo que iba "descubriendo" nombres que me sacudían y que me llenaban de la maravilla, como diría Doisneau (con quien me identifiqué tanto por sus fotos como por su personalidad).

Dos de las muestras que trajo Sara Facio al Bellas Artes me marcaron profundamente y aún las recuerdo nítidamente: una de Andre Kertész y otra de Atget.

Atget es hasta hoy uno de los que más me conmueve y al mismo tiempo con quien siento muchas afinidades. Sander es otro a quien vuelvo permanentemente.

Por supuesto, en un momento apareció Robert Frank en mi vida y me rompió la cabeza. También con él me identifiqué profundamente... por sus fotos, por su vida, por sus tragedias... ¡Debo decir que lo amo al viejo!

Entre medio de todo esto iban apareciendo Klein, Winogrand, Friedlander, Clark, Arbus, Weegee... ¡Qué sé yo!...¡Tantos!.

Y un día (¡¡estando en Francia!!) descubrí a Chambi y luego a don Manuel Álvarez Bravo... Empecé a mirar para atrás y apareció la Cameron y el trabajo de Hill y Adamson y cada vez era increíble, eran verdaderos viajes... me metía con cada uno de ellos y durante semanas los miraba y los miraba... casi sin darme cuenta fueron apareciendo más nombres y esos nombres fueron armando una enorme y compleja trama en la que permanentemente encontraba estímulos e interrogantes.

Empecé a estudiar y a investigar. Empecé a necesitar darle algún sentido a todo eso tan fuerte que me pasaba... Comencé a mirar la producción de entreguerras, los fotomontajes... se me apareció Rodchenko... Una muestra de Hannah Hoch en el Museo de Arte Decorativo me dejó dando vueltas la cabeza.

Yo venía de otros mundos (de otras vidas), el arte me había resultado siempre algo lejano y sin ninguna conexión con mis intereses y de pronto me encontré sumergido textos y teorías que me atraparon y me hicieron reelaborar y reencauzar todo lo que había hecho hasta entonces...

Y un día me lo encontré a Duchamp, y me enfrenté con el dichoso mingitorio... y... lo revaloricé a Stieglitz y las Little Galleries... Strand; y me fui a ver a los futuristas y me encontré con Balla mirando a Mercurio delante del sol a través de un telescopio y me acordé de Muybridge...

Una noche, en el anfiteatro del Theatre Antique de los Encuentros de Arles proyectaron a los Becher y sus tanques de agua en una pantalla de 130 metros cuadrados!!! Fue muy fuerte, impresionante!!! Al principio me costaron...pero cuando me cayó la ficha...!!! De ahí a Ruscha con quien volví a la misma ruta que había transitado Frank pero esta vez solo para cargar nafta; y me puse a jugar a pasar camiones con Baldessary.

Apareció Graham y sus Homes... y me reencontré con Evans que me hizo acordar otra vez a Atget, que me mandó a Blossfeldt y a Renger-Patzsch...

Despues vino Kosuth, y Warhol pero antes Rauschenberg... y antes Pollock chorreando pintura... y antes...

En fin, más tarde la espiral de Smithson, Beuys y su liebre muerta, Piero llenando prolijamente latitas... Appelt, Mendieta... y Larry Clark abriéndole el camino a la Goldin y a las siestas de Sally Mann y el color de Eggleston y Río Branco y Webb y...

Y otro día paseando por Nueva York con Gabriel Diaz le comenté de un tal Araki, que nadie conocía en Buenos Aires, que me habia interesado y empezamos a recorrer librerías y a revolver y desde entonces me empecé a enganchar con los japoneses... y se me arrugó el corazón con los cuervos de Fukase, me emocioné con Furuya y... su forma de editar, el perro de Moriyama no me dejó dormir varias noches, Morimura me enriqueció a Cindy Sherman, los mares de Sugimoto...

En los últimos años Tracey Mofatt, Bárbara Kruger, Fani-Kayode, Gurski, Ruff, Struth, Jeff Wall, Louise Lawler, Rineke Dijkstra y un largo, largo etcétera, etcétera, etcétera.

Fuente:
Veo veo, Guía de Exposiciones Fotográficas.
Edición Nro. 44, Septiembre 2005, Páginas 14-17.

(+) 3 PREGUNTAS SUELTAS
Augusto Zanela
Lucila Bodelón
Andrea Ostera
Daniel Tubío
Alberto Goldenstein
Juan Travnik

LA NRO. 1

2008-02-18T19:45:00.022-02:00

La publicación Veo veo, Guía de Exposiciones Fotográficas se editó en papel , por primera vez, en abril del 2001.

En dicho año todas las fotos de tapa fueron de la fotógrafa argentina Sara Facio. La edición fotográfica se realizó a partir de las imágenes de su libro Foto de Escritor 1963/1973.

La foto de tapa de la guía nro. 1 fue el icónico retrato de Julio Cortazar.

Durante las ediciones papel de los años siguientes, en el período 2002 / 2003, importantes curadores argentinos seleccionaron la respectiva foto de tapa. A partir de la propuesta editorial Yo, Curador, Juan Travnik, Fabiana Barreda, Eduardo Gil, Valeria Gonzalez, Rodrigo Alonso, Alberto Goldenstein, Ataúlfo Perez Aznar, Augusto Zanela, Pelusa Borthwick, entre otros, nos acompañaron con su visión personal y profesional.

A partir del 2004 en adelante, todas las fotos de tapa fueron editadas por el director de Guia Veo veo, Adrián Barrio (alias aderian).

FOTÓGRAFOS ARGENTINOS

2007-06-13T11:02:00.019-03:00

Yo fui tapa de VEO VEO
Artistas cuyas obras fotográficas fueron
tapa de la Guia Veo veo Papel (2001-2007)
Cada "tapa" lleva a la respectiva web del artista

2007
55. Daniel Muchiut
54. Arturo Aguiar
53. Marcos Lopez

2006
52. Fatal
51. Nicolás Trombetta
50. Esteban Pastorino
49. Tatiana Parcero
48. Adriana Lestido

2005
46. Diego Ortiz Mugica
45. Guille Prat
44. Marcos Lopez

2004
38. Diego Ortiz Mugica
36. RES
35. Ananké Asseff
34. Guadalupe Miles
33. Miguel Zurraco
32. Augusto Zanela
31. Pablo Soria
30. Diego Ortiz Mugica
29. Mariana Maggio

2003
23. Pablo Soria

2002
16. Ignacio Iasparra
15. Augusto Zanela
13. Fernanda Iturrieta
12. Daniel Tubio
11. Alejandro Lipszyc
10. Marcos Lopez

2001
1-9. Sara Facio